Los caminos del arte gráfico

Ya hemos hablado del arte múltiple y la gráfica contemporánea y nos hemos referido a la amplia gama de posibilidades técnicas y conceptuales que el artista gráfico y múltiple tiene a su disposición para dar rienda suelta a sus discursos visuales. Pero quedó pendiente explorar cuales son estas posibilidades.

En este artículo vamos a indagar sobre artistas que nos obliguen a reflexionar sobre el rumbo que queremos tomar con nuestra obra, no de forma cronológica sino en forma de ejes alrededor de los que podemos desenvolvernos. Partiremos desde artistas se enfocan en el estudio de las técnicas tradicionales occidentales y orientales, revisaremos las influencias dadaístas y surrealistas que nos invitan a repensar las normas de la gráfica tradicional, hasta revisar las propuestas de artistas multidisciplinares que explotan las técnicas gráficas y las modelan alrededor de su discurso conceptual.

La tradición como manifiesto

Keisei Kobayashi es un artista japonés que ha desarrollado su obra a través de un imaginario que evolucionó de la crítica política y ambientalista a una representación de un futuro en donde la reconciliación del hombre con naturaleza es posible (Asian Art Centre Beijing, 2019).

Dicho enfoque rige su elección de técnicas y materiales: el moku hanga, la técnica de xilografía japonesa que hace uso de pigmentos a base de agua, un particular sistema de registro sobre la placa de madera y un barén de bambú para imprimirla, tradicionalmente sobre papel japonés washi. Kobayashi hace uso de bloques de madera cortados a contrafibra, cuya dureza ayuda en la creación de líneas y detalles finos, por lo tanto  requiere más atención que la xilografía tradicional en la que la placa de madera está cortada a lo largo.

Ésta técnica posibilita que sus grabados se caractericen por tener un complejo entramado de animales, personas y hábitats, además de la ocasional espejeo de la imagen grabada “kagami”, lo cual logra al doblar el papel sobre sí mismo calcando fielmente el reflejo gracias a la absorción del papel japonés (García, 2018).

Kobayashi  nació y estudio artes en Kyoto, ahora vive en Tokyo, pero ha pasado su vida dando seminarios y clases en diversas partes del mundo, entre ellas en Guanajuato, México; en donde dio clases a Nunik Sauet durante su estancia.

Nunik Sauret es una artista mexicana que ha estudiado las artes gráficas desde los 16 años, quien inauguró recientemente su exposición “Instantes y Silencios”, en el Museo Nacional de la Estampa, en la Ciudad de México (Museo Nacional de la Estampa, 2020).

Su obra explora las diferentes técnicas de grabado occidental y orientales que ha estudiado en su investigación artística durante cincuenta años. Utiliza el moku hanga, así como la técnica de Corograf, o Mokurito, una técnica japonesa de litografía estampada con tintas a base de agua, en la que se reemplaza la piedra calcárea o lámina por madera..

Al unirlos con sus conocimientos sobre xilografía occidental, grabado en metal y litografía, encuentra un gran abanico de posibilidades del lenguaje gráfico mucho mas abstracto que el de Kobayashi y aun así se nota claramente su influencia.

Según la artista su obra se nutre de las sutilezas de la naturaleza, de sus instantes y sus silencios:

“Un instante es una abstracción del tiempo, ya de por sí abstracto e indefinible. Esta muestra es una sucesión de instantes creativos, una relación con el tiempo que queda marcada en la huella directa de la estampación y en los diferentes materiales. En cuanto a los silencios, éstos aluden, por una parte, a las pausas entre una obra y otra; a los silencios creativos que son muy fértiles, aunque no lo parezca y, por otra parte, a esos silencios en los que todo se escucha” 

Nunik Sauret, 2020

Un arte fuera de los límites

Man Ray conoció por primera vez la obra de Marcel Duchamp en Nueva York en 1915, fascinado por lo absurdo del movimiento Dada y las libertades de las que había dotado a l arte, empezó a  experimentar con el ready-made y pronto se mudó a París, donde siguió explorando los conceptos dadaístas y surrealistas en boga. Mientras trabajaba como retratista para mantenerse, descubrió accidentalmente el fotograma, un proceso sin cámara fotográfica consistente en colocar objetos directamente sobre un papel sensibilizado y exponerlos a la luz (San Francisco Museum of Modern Art, 2007). 

En su búsqueda de ambigüedad surrealista, Man Ray privilegiaba la técnica del fotograma, llamados «rayiografías» por su amigo Tristan Tzara, pues son únicos, irrepetibles y hasta cierto punto incontrolables (MET Museum, 2020). Es por tanto similar a un monotipo, no es arte múltiple, pero sigue siendo una forma de arte gráfico, ya que es la huella de luz y sombra que ha dejado un objeto sobre el papel fotográfico (Soler, 2013).

Man Ray declaraba haber inventado la “rayografía” poco después de haber llegado a París en 1921. Sin embargo, la realidad es que dicha práctica se realizaba desde los inicios de la fotografía. A pesar de eso, se le atribuye ya que él lo usaba no como una copia mecánica sino como una aventura pictórica. Sus fotogramas, que se balancean entre la representación y la abstracción, revelaron una nueva forma de ver que maravilló a los poetas Dadaístas.

Por otro lado, vemos como el surrealismo influyó en la obra temprana de Joseph Cornell, quien utilizó sobre todo el collage en su obra para crear composiciones bidimensionales y tridimensionales, creando así arte-objetos.En sus características cajas, en las que introducía objetos y grabados, desarrolló todo un universo de símbolos personales.

Sin embargo, la profunda admiración que sentía Joseph Cornell por la obra de Juan Gris pudo ser la causa de su alejamiento de las fórmulas surrealistas y de su paulatina aproximación al lenguaje del cubismo.La fascinación por Gris le llevó a confeccionar un cuaderno especial dedicado al pintor en el que recopiló recortes sobre su obra, entremezclados con notas suyas, que le servirían de base para algunas de sus construcciones.

Cacatúa Juan Gris n.º 4, fechada hacia 1953-1954, pertenece a un conjunto de cajas realizadas en homenaje al artista español en las que el motivo central es una peculiar imagen de una cacatúa recortada y pegada sobre un soporte de madera y rodeada de algunos motivos y técnicas cubistas.  (Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, 2020)

Para su exhibición individual Making History en 1992, Abigail Lane presentó un par de objetos que parecían zapatos que podían ser usados. En las plantas de éstos, tenían las huellas de los pies de la autora. Al usar un cartucho de entintar grande, podía caminar sobre papel y dejar sus huellas, una metáfora de su identidad. (Lane, 2005)

De igual forma, Abigail Lane investiga las huellas que dejamos en los objetos cotidianos y que nos dejan éstos a nosotros. Experimenta con la escala y los procesos que culminan en una impresión, considerando igual de importante el entintado como la estampación en sus Inking Pad, de tamaño humano, o las sillas con almohadillas de entintar. Estos objetos fueron utilizados para hacer papeles tapices de partes humanas que fueron expuestos como instalación. (Lane, Bottom Wallpaper and Bottom Prints, 1992-97, 2005)

La forma en que Ray de deshacer de la representación realista  y apela al subconsciente en el territorio de la gráfica, y en la que Cornell transgrede la bidimensionaldad y la integridad de la impresión gráfica utilizándola en sus cajas, es como ambos manifiestan su ímpetu por modernizar la gráfica, elevarla al mismo nivel que el resto del arte. Es la misma forma en que Abigail Lane cruza la barrera del objeto que se estampa y lo sustituye por el sujeto, se estampa a sí misma y a otras personas para crear su obra. De tal forma su obra, multidisciplinar, es un performance que se convierte en una instalación, acercándola a los discursos contemporáneos del arte.

Arte para la posteridad

Mauricio Lieb Lasansky , grabador argentino nacionalizado estadounidense, a quien se le ha reconocido en ocasiones como el padre de la gráfica moderna por su experientación con el lenguaje gráfico y el alcance de sus enseñanzas, las cuales extendieron por Estados Unidos el interés de los artistas por la gráfica.

Como artista, las técnicas que ocupaba fueron la punta seca y aguafuerte y linóleo, posteriormente se dedica a experimentar en el Atelier 17 en E.E.U.U. tratando de empujar al límite cada una de las técnicas y combinándolas. En sus investigaciones llegó a realizar obras de 50 capas para una sola imagen logrando composiciones abigarradas y ricas en texturas, colores y técnicas.

Como profesor compartió sus conocimientos en el taller de grabado de la Universidad de Iowa a mas de 100 estudiantes por semestre durante 60 años, con lo que eventualmente elevó el estatus de la gráfica al nivel de la pintura o la escultura.

Como vemos, el arte múltiple y gráfico se nutre no solo de los experimentos plásticos y conceptuales de los artistas con los materiales a mano, sino también de la transmisión del conocimiento de una generación a otra, así como el hambre por la propia investigación.

Esperamos que con estos artículos podamos no solo difundir la vida y obra de artistas gráficos, sino que también nos gustaría alimentar su interés por el arte múltiple e impreso y compartir con ustedes el entusiasmo por la investigación gráfica.

Sara Martínez

Referencias

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